经常有人问：“老师，我不喜欢糖水照，也看烦视觉大片了，要怎么继续学摄影呢？”这种时候，一般我们会建议以摄影史为蓝本，向大师学习。
又有人会问：“摄影史上的人物都是大师，它们的创作好深奥，照片也看不懂。是不是不适合我们？”
这是大部分摄影瓶颈者的真实写照：想要寻求摄影学习的突破，但又对艺术家的创作方式畏手畏脚，觉得那些是曲高和寡的东西，只能远观。于是个人成长就只能在原地打转。
要解决这个问题，我们从一个误区说起。
其实，“深度”不保证能指导你的作品能成为优秀的艺术摄影作品；反过来，优秀的艺术摄影作品并不意味着作品一定是不说人话的。我们最该学习体会的另一个东西——开放性。举个例子，风景摄影。普遍的意识中风景摄影应该是日出日落、壮丽山川、星轨云海等爽片。你有没有想过，在长江上每隔100公里取一个点的平凡景致也可以是风景照？王岩从长江源头出发，每隔100公里拍摄一张景观摄影作品，构成了这组项目《母亲河》，单张照片的视觉风格，已经不是她要考虑的首要问题了。摄影创作通常需要另一套逻辑。要让自己的摄影更接近“创作”，首先要做的不是在深度上钻牛角尖，而是先要时刻提醒自己，有很多原来自己不认为可以拍的对象，其实是可以拍的。摄影不仅是吉光片羽，也有日常琐碎和边缘之物。从这个角度来说，拍摄应该更容易实现了，而不是更难了，关键在于自己的策划、构思和创作意图。不断开垦自己未曾意识到的领域，也是一件迷人的事情。很多爱好者拍照很多年，能量都会集中在“构图-后期”两个步骤上。许多朋友追求的摄影的深度学习，也无非是在这个框架内让“构图更刁钻”或者“后期更繁复”。实际上，关于创作，在拍照前后还需要补充一些关键步骤。比如前期的策划、选题，后期的图片编辑、印相输出，甚至策展等。当你开始有意识去构建整个体系的时候，也就离创作更进一步了。因为，有很多作品的优秀之处是在于策划选题，或者整体叙述，而这完全无法通过“构图-后期”的二元体系来完成。拿杉本博司著名的《海》来说，在“构图-后期”的框架下，它十分简单，无非就是水平线构图用长曝光来实现：但真正成就这组作品的是它用一系列照片表达的时间的概念，以及引发人们的哲学思考。同时，图像需要加持在输出和策展的考量中，才能表达凸显魅力。©杉本博司，《海景》在著名建筑师隈研吾在汤布院设计的美术馆 Comico Art Museum YUFUIN中的展览现场。此时你能感受到实体作品输出-策展-空间设计欣赏作品的综合考虑。
要让自己的摄影更接近“创作”，不是继续在“构图-后期”的框架下描摹，而是要时刻提醒自己，摄影不仅仅是取景和按快门，更是一个整体创作思维的调度，不让作品停留在“单张照片有没有引来点赞”。首先，你需要一个全面的构架。如果今天知道了“类型学”，明天学了点“新彩色”，后天听说了“极简主义”，那么你的构架是混乱的，结果可能了解了一些大词而已。你需要的是一个为你烹饪主餐的老师，而不是一个不停给你塞零食的老师。其次，你需要的是深入浅出的讲解。从大众摄影再往理论方向走，容易陷入“学术腔”，虽然老师说得没有错，但是并没有站在大众的角度来叙述。所以需要一个将学术内核进行“加工”并制成成品的过程。再次，你需要和自己的生活联系起来。前面说了，创作不代表深刻和牛角尖，更代表拓宽视野，回归生活。更值得我们去做的，是将生活万物和个人真实的体验融入到创作中。向艺术家学习创作，而不是盲目追求所谓艺术云里雾里的那一面，让艺术创作为生活服务。©Angelo Merendino，《在门口说再见》摄影师记录每次探望父母离别时父母的表情，直到父亲离世。这是一个与生活息息相关的摄影项目。
同时，你需要实践创作。你需要暂时放下相机甩掉对风格、人文、人像、建筑摄影的刻板印象，写一点计划，然后在拍摄之后编排照片，需要将去到冲印装裱店为自己的作品输出给方案，甚至可以在家里找一面墙为自己虚拟办一个展……原画册作为大众连接艺术的平台，联袂留美青年艺术家王天行，共同开发《给每个人的摄影创作课》。此课时原画册艺术素质课程的重要组成部分，将作为艺术摄影的大众教育的基础教育部分。
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